Sir Simon Rattle y la Filarmónica de Berlín

La orquesta del siglo XXI

Transparencia, educación, música contemporánea y reinvención digital

Director titular y artístico, 2002–2018

De Abbado a Rattle: una nueva pregunta para un nuevo siglo

Cuando Claudio Abbado anunció en 1998 que dejaría la titularidad de la Berliner Philharmoniker al final de su contrato, la orquesta se enfrentó a una pregunta distinta de cualquiera que hubiera afrontado antes. Ya no se trataba solo de buscar a un director capaz de mantener una gloriosa tradición heredada. Necesitaba un líder capaz de redefinir lo que una de las mejores orquestas del mundo podía significar en el siglo XXI.

Cada una de las grandes etapas de la orquesta había respondido a una necesidad histórica concreta. Hans von Bülow había convertido a un joven conjunto independiente en una fuerza artística disciplinada. Arthur Nikisch le había dado flexibilidad romántica, calidez sonora y fama internacional. Wilhelm Furtwängler la había convertido en un instrumento de inmensa intensidad espiritual y dramática, mientras se situaba en medio de las contradicciones morales más dolorosas de la historia alemana. Leo Borchard y Sergiu Celibidache ayudaron a la orquesta a volver a hablar tras la guerra y la destrucción. Herbert von Karajan creó su imagen global más poderosa a través del sonido, la grabación, la tecnología y el prestigio institucional. Claudio Abbado, tras la caída del Muro de Berlín, abrió su mundo musical hacia la transparencia, el diálogo, Mahler, la modernidad y una relación más humana entre director y músicos.

Ahora la orquesta necesitaba considerar no solo su sonido, sino su lugar en la sociedad. ¿Quién podía sentir que la Philharmonie le pertenecía? ¿Debía una orquesta mundialmente famosa seguir siendo sobre todo guardiana de las obras maestras canónicas, o debía convertirse también en creadora activa de música nueva? ¿Cómo podían los Philharmoniker relacionarse con la interpretación historicamente informada, la composición contemporánea, los jóvenes, la Berlín multicultural y los nuevos públicos digitales de todo el mundo?

Los músicos eligieron a Sir Simon Rattle, entonces director artístico de la City of Birmingham Symphony Orchestra, un conjunto cuyo ascenso internacional había estado estrechamente ligado a su imaginación, energía y convicción. No llegó a Berlín con la intención de restaurar una época pasada de esplendor. Llegó con una ambición a la vez musical y cultural: convertir a la Berliner Philharmoniker en una "orquesta esencialmente europea".

Esa frase contenía la dirección de su mandato. Para Rattle, Europa no significaba solo el gran repertorio clásico y romántico transmitido desde Viena, Berlín y Leipzig. Significaba apertura: a distintas tradiciones nacionales, a diferentes siglos, a diversas prácticas interpretativas, a compositores vivos, a distintos grupos sociales y a una idea democrática de la cultura.

Con Simon Rattle, la Berliner Philharmoniker no abandonó su gran tradición. Empezó a preguntarse cómo podía esa tradición seguir viva, receptiva y públicamente significativa en un nuevo siglo.

Un director británico que ya había crecido junto a la orquesta

Simon Rattle no era un extraño impuesto de pronto a la Berliner Philharmoniker. Como Abbado antes que él, había desarrollado una relación larga y cada vez más estrecha con la orquesta antes de aceptar su dirección.

Nacido en Liverpool el 19 de enero de 1955, Rattle había comenzado su vida musical como percusionista antes de orientarse hacia la dirección. Desde joven mostró una curiosidad voraz por la música más allá de los límites del repertorio convencional. Le interesaban no solo Beethoven, Brahms y Mahler, sino también obras olvidadas, la música del siglo XX, la música antigua, la ópera, el repertorio coral y los compositores vivos.

Su logro institucional decisivo antes de Berlín fue su labor con la City of Birmingham Symphony Orchestra. Durante muchos años ayudó a transformar ese conjunto en una orquesta admirada internacionalmente, demostrando no solo talento como director, sino la capacidad de construir una cultura musical: elevar los niveles, atraer al público, programar con audacia y crear una identidad artística colectiva.

Rattle debutó con la Berliner Philharmoniker el 14 de noviembre de 1987, dirigiendo la Sinfonía n.º 6 de Gustav Mahler. Fue un primer encuentro extraordinariamente exigente. La Sexta de Mahler es una de las obras más poderosas, severas y emocionalmente devastadoras del repertorio sinfónico: una partitura que exige tanto un control arquitectónico de gran escala como la capacidad de hacer que los contrastes expresivos extremos suenen inevitables.

Años después, Rattle recordó de aquel debut: "Sentí que ese día estaba encontrando mi voz."

La elección de Mahler fue profética. Mahler había estado en el centro del mundo berlinés de Abbado, y seguiría siendo central durante los años de Rattle. Sin embargo, la relación de Rattle con Mahler no era simplemente heredada de su predecesor. La Sexta Sinfonía, con su intensidad intransigente y su enorme complejidad orquestal, se convirtió en un hilo personal que unía su primera aparición berlinesa con su último concierto como director titular, más de treinta años después.

Entre su debut en 1987 y su asunción del cargo en 2002, Rattle dirigió a la orquesta en cincuenta y ocho ocasiones. Los músicos conocían, por tanto, de cerca sus cualidades: su entusiasmo, su apertura intelectual, su vitalidad rítmica, su compromiso con obras poco conocidas, su instinto para el color orquestal y su capacidad para aportar un tipo diferente de energía al repertorio familiar.

Cuando fue elegido sucesor de Abbado, la elección no significó un experimento con una personalidad desconocida. Representó la decisión de la orquesta de confiar su futuro a un director cuya curiosidad artística y relación con los músicos ya había madurado durante muchos años.

La primera gran obra a través de la cual Rattle habló a la Berliner Philharmoniker fue la Sexta de Mahler; la última obra que eligió como director titular fue esa misma sinfonía. Su etapa berlinesa quedó enmarcada por una obra de lucha, poder e incertidumbre humana profunda.

El inicio de su mandato: Adès y Mahler

El 7 de septiembre de 2002, Simon Rattle ofreció su concierto inaugural como director titular y artístico de la Berliner Philharmoniker. El programa declaró de inmediato qué tipo de dirección artística pretendía seguir:

Thomas Adès — Asyla, Op. 17

Gustav Mahler — Sinfonía n.º 5 en do sostenido menor

La yuxtaposición era reveladora. Rattle no comenzó con un monumento incontrovertible del canon alemán diseñado meramente para tranquilizar al público de que el esplendor heredado de la orquesta permanecería intacto. Colocó una importante obra orquestal británica contemporánea junto a uno de los recorridos sinfónicos más exigentes del siglo XX.

Asyla de Thomas Adès había sido escrita para Rattle y estrenada por él con la City of Birmingham Symphony Orchestra en 1997. Su título contiene una ambigüedad: asyla puede significar santuarios o lugares de refugio, pero también evoca la inestabilidad psicológica y los mundos cerrados. La obra avanza a través de un sonido orquestal brillante, desorientador y a menudo violento; su movimiento central extático transforma la energía de la música de club moderna en una experiencia sinfónica abrumadora. Que la Berliner Philharmoniker la interpretara al inicio de la era de un nuevo director titular fue una declaración clara: la música viva no sería periférica bajo Rattle; ocuparía el centro de la identidad pública de la institución.

La Quinta Sinfonía de Mahler, tras el intermedio, estableció continuidad con las grandes tradiciones de la orquesta y, al mismo tiempo, transmitió transformación. La obra comienza con una marcha fúnebre, atraviesa el conflicto, la soledad y la interioridad suspendida del célebre Adagietto, y termina con un resplandor contrapuntístico y una vida renovada. Fue una sinfonía ideal con la que inaugurar una era comprometida con la coexistencia de la memoria histórica y la energía contemporánea.

El programa también reveló algo esencial sobre la comprensión que Rattle tenía de la tradición. Para él, Mahler y Adès no pertenecían a mundos separados: uno consagrado por la historia, el otro necesitado de una promoción obligada por ser nuevo. Ambos formaban parte de una imaginación orquestal viva: música capaz de poner a prueba todos los recursos intelectuales, emocionales y físicos de un gran conjunto.

El primer programa de Rattle como director titular fue un manifiesto: la Berliner Philharmoniker seguiría hablando con las grandes voces del pasado, pero también se tomaría en serio la música que se creaba en su propio tiempo.

Un sonido orquestal más transparente

Rattle heredó una orquesta ya transformada por la búsqueda de flexibilidad, apertura y claridad de Claudio Abbado. No invirtió ese movimiento. En muchos aspectos, lo llevó aún más lejos.

La imagen clásica de la Berliner Philharmoniker de la era Karajan había sido la de una mezcla extraordinaria: largas líneas legato, cuerdas resplandecientes, saturación armónica rica y un sonido en el que las identidades instrumentales individuales solían quedar absorbidas por un todo magníficamente unificado. Abbado había empezado a dejar más aire entre las voces, aportando al tejido orquestal mayor sensibilidad camerística y transparencia.

Rattle prefería un sonido aún más diferenciado. Le interesaban profundamente las posibilidades expresivas de la articulación, el color instrumental y la definición rítmica. Quería una orquesta sinfónica moderna capaz no solo de la gran sonoridad romántica, sino también de la agilidad retórica que exigen Haydn y Mozart, de las texturas de perfiles nítidos de la música del siglo XX y de los colores impredecibles de las nuevas composiciones.

Esto no significaba que la famosa riqueza berlinesa desapareciera. Bajo Rattle, la orquesta podía seguir produciendo una profundidad y un esplendor extraordinarios en Brahms, Wagner, Bruckner, Mahler o Richard Strauss. Pero el sonido podía cambiar de carácter de forma más radical de un repertorio a otro. Podía volverse más esbelto, más nítidamente articulado y más elástico rítmicamente en la música clásica; denso y fragmentado en las partituras modernas; luminoso y sensual en el repertorio francés; violento, transparente o irónico cuando las obras contemporáneas lo requerían.

Parte de este desarrollo implicó abrir la orquesta a la influencia de directores y músicos asociados con la práctica de interpretación históricamente informada. Para una orquesta tan profundamente arraigada en la tradición del siglo XIX y XX, el encuentro fue significativo. Fomentó una nueva atención a la articulación, el fraseo, el vibrato, el tempo, el equilibrio orquestal y el lenguaje expresivo del repertorio anterior.

Rattle no pretendía convertir a la Berliner Philharmoniker en un conjunto de instrumentos de época. Buscaba, más bien, que los enormes recursos técnicos de la orquesta no la encerraran en un único ideal sonoro permanente. Una orquesta verdaderamente moderna, en su concepción, debe ser capaz de cambiar su manera de hablar según la música que tiene delante.

Bajo Rattle, la Berliner Philharmoniker fue invitada no solo a preservar un sonido legendario, sino a convertirse en una orquesta capaz de muchos sonidos, cada uno de ellos respondiendo al lenguaje particular del compositor.

Clasicismo vienés, Brahms, Sibelius y Mahler

La programación de Rattle se distinguió por la música contemporánea, pero el repertorio sinfónico consolidado siguió siendo esencial en su trabajo. Sin embargo, lo abordó con interés por la claridad, la estructura y la renovación, más que con el deseo de reproducir simplemente las tradiciones anteriores de la orquesta.

Reforzó el compromiso de la orquesta con el clasicismo vienés: el mundo de Haydn, Mozart y Beethoven, en el que la vitalidad rítmica, la articulación, el equilibrio y la precisión retórica importan tanto como la belleza del tono. Para una Philharmoniker largamente celebrada por su sonoridad romántica, este enfoque ayudó a revelar una dimensión más ligera, animada y alerta de su manera de tocar.

Sus interpretaciones de Johannes Brahms despertaron una admiración particular. Brahms había pertenecido siempre al núcleo de la identidad de la orquesta, desde Bülow y Nikisch hasta Furtwängler, Karajan y Abbado. El Brahms de Rattle unía calidez y peso con detalle textual, vida rítmica y apertura de textura. Su ciclo sinfónico demostró que la tradicional asociación berlinesa con Brahms podía seguir siendo poderosa sin volver simplemente a la masividad tonal de generaciones anteriores.

Su trabajo con las sinfonías de Jean Sibelius fue igualmente significativo. Sibelius ofrecía un repertorio especialmente adecuado al oído de Rattle para la estructura, la atmósfera y la transformación: música en la que los acontecimientos orquestales parecen crecer orgánicamente a partir de fragmentos, silencios, paisajes y una energía que se intensifica gradualmente. Los recursos tonales de la Philharmoniker podían revelar la oscuridad y la grandeza de estas obras, mientras la agudeza estructural de Rattle impedía que se convirtieran en meramente atmosféricas.

Sobre todo, Gustav Mahler siguió siendo un compositor fundamental de su vida berlinesa. La relación de Rattle con la orquesta había comenzado con la Sexta Sinfonía de Mahler; su concierto inaugural como director titular incluyó la Quinta; y su despedida volvió a la Sexta. En las partituras de Mahler, Rattle encontró música capaz de contener múltiples mundos: la memoria popular y la catástrofe, la delicadeza camerística y la violencia orquestal explosiva, la parodia grotesca y el anhelo abrumador.

El Mahler de Rattle continuó y transformó la gran tradición mahleriana establecida bajo Abbado. Donde el Mahler de Abbado podía parecer poéticamente ligero, transparente y profundamente interior, Rattle a menudo enfatizaba la modernidad, el contraste teatral, la energía eruptiva y la extremidad sonora de estas enormes partituras.

Para Rattle, el gran canon sinfónico no era un monumento que debiera protegerse del cambio. Era un laboratorio vivo en el que una gran orquesta podía redescubrir sus propias posibilidades.

Una orquesta para los compositores vivos

Uno de los rasgos más claros de la era Rattle fue su compromiso con la música contemporánea. La Berliner Philharmoniker nunca había estado del todo alejada de la creación moderna: bajo Furtwängler había estrenado las Variaciones para orquesta de Schoenberg; Abbado había hecho de la Segunda Escuela de Viena y del repertorio del siglo XX una parte central de su programación intelectual. Rattle amplió este compromiso con especial energía.

Los compositores asociados con sus años berlineses incluyeron a Hans Werner Henze, Thomas Adès, Jörg Widmann, Sofia Gubaidulina y Heiner Goebbels. Estos nombres representaban lenguajes musicales radicalmente distintos: lirismo e intensidad política, brillantez posmoderna, imaginación instrumental, concentración espiritual y experimentación teatral.

Su relación con Thomas Adès fue especialmente emblemática. Al elegir Asyla para su concierto inaugural berlinés, Rattle identificó a un compositor vivo con el inicio de su dirección. Más tarde, la Fundación de la Berliner Philharmoniker encargó la obra orquestal de Adès Tevót, que Rattle estrenó con la orquesta en 2007. En estas elecciones, la música contemporánea no se trataba como una obligación que colocar discretamente junto a los clásicos más populares; se presentaba como un acontecimiento digno del prestigio y los recursos completos de la orquesta.

En los últimos años de su mandato, Rattle también inició la serie Tapas, encargando obras breves a destacados compositores contemporáneos. El título sugería una forma accesible y variada de acercarse a la música nueva: piezas concisas que pudieran sorprender, inquietar o deleitar al público sin requerir el marco convencional de un concierto de gran formato.

Esto formaba parte de su misión más amplia. Una orquesta líder no podía pretender representar la grandeza musical mientras ignoraba a los compositores que escribían en su propio presente. Beethoven, Brahms, Mahler y Sibelius habían sido en su día compositores vivos, a menudo desafiando las expectativas de su público. Honrar verdaderamente su legado significaba hacer espacio para nuevas obras que pudieran convertirse en la memoria futura de la orquesta.

Rattle creía que una gran orquesta no debe limitarse a preservar la historia musical. También debe ayudar a crearla.

La Pasión según San Mateo de Bach: una interpretación que se convirtió en un acontecimiento espiritual

Entre todos los logros artísticos de la etapa berlinesa de Rattle, ninguno tuvo mayor significado personal para él que la colaboración con el director de teatro estadounidense Peter Sellars en la Pasión según San Mateo de Johann Sebastian Bach.

La Pasión de Bach no es ópera. Es una meditación musical sagrada sobre la traición, el miedo, el sufrimiento, la compasión y la muerte. Sin embargo, la concepción de Sellars no intentaba convertirla en un espectáculo teatral convencional. Su enfoque se describió a menudo como una ritualización: cantantes, coro y músicos no presentaban simplemente la narración desde una distancia segura, sino que participaban física y emocionalmente en su significado.

Bajo Rattle, la Berliner Philharmoniker aportó a Bach no solo su refinada destreza orquestal, sino una nueva clase de atención dramática y humana. La interpretación situó a la orquesta dentro de una experiencia de escucha y empatía que iba más allá de los límites habituales de la vida de concierto sinfónico. Los músicos no quedaban ocultos tras una idea distante de perfección técnica; formaban parte de un acto colectivo de contemplación.

Para Rattle, el resultado fue decisivo. Llamó a esta producción "lo más importante que hemos hecho nunca aquí".

La afirmación es reveladora. No fue un ciclo de Beethoven o de Mahler, ni un triunfo orquestal virtuoso, ni una innovación tecnológica lo que puso por encima de todo lo demás. Fue una interpretación en la que la música, el teatro, la espiritualidad y la vulnerabilidad humana compartida se volvieron inseparables.

Los proyectos posteriores de Rattle con Sellars continuaron este camino, incluidas las presentaciones semiescenificadas de Pelléas et Mélisande de Claude Debussy y Le Grand Macabre de György Ligeti. Estos proyectos demostraron que la Philharmoniker podía convertirse no solo en un cuerpo sinfónico, sino en una institución intensamente dramática capaz de dar vida al complejo teatro musical en formas nuevas.

En la Pasión según San Mateo, Rattle y Sellars crearon un momento en el que la Berliner Philharmoniker ya no podía escucharse solo como una gran orquesta. Se vivía como una comunidad de sentimiento humano.

El programa educativo: abrir las puertas de la Philharmonie

La transformación de la Berliner Philharmoniker que llevó a cabo Rattle no se limitó al sonido producido en el escenario. Uno de sus logros más duraderos fue la fundación del Programa Educativo de la orquesta en 2002, con el apoyo de Deutsche Bank.

La idea era a la vez sencilla y radical: la música clásica no debía permanecer encerrada dentro de una élite social o cultural. Una orquesta respaldada por el prestigio público y situada en un lugar central de la ciudad tenía la responsabilidad de llegar a personas que de otro modo nunca entrarían en la Philharmonie, en particular niños y jóvenes.

Esto no significaba simplemente presentar conciertos escolares simplificados o pedir a los estudiantes que recibieran la música de forma pasiva. El Programa Educativo animaba a los participantes a descubrir sus propias capacidades creativas a través del movimiento, el ritmo, el canto, la composición, la colaboración y el encuentro directo con los músicos de la orquesta.

Su logro temprano más célebre fue el proyecto de danza en torno a La consagración de la primavera de Igor Stravinsky en 2003. Trabajando con el coreógrafo Royston Maldoom, Rattle y la Berliner Philharmoniker se unieron a cientos de jóvenes berlineses para preparar una interpretación pública de una de las obras más rítmicamente explosivas del siglo XX.

Los jóvenes participantes no necesitaban llegar con una formación musical de élite ni con un acceso previo a la cultura del concierto. El proyecto exigía disciplina, cooperación, compromiso físico y valentía. La música de Stravinsky se convirtió no en una obra maestra modernista inaccesible admirada desde la distancia, sino en una fuerza que debían habitar con sus cuerpos y su energía colectiva.

El documental Rhythm Is It! registró el desarrollo del proyecto y llevó su mensaje a un amplio público. Demostró que el contacto con la gran música puede transformar la confianza, la atención, la cooperación y la autopercepción. La Philharmoniker ya no era solo una orquesta que actuaba para el público; se había convertido en socia de la vida creativa de los jóvenes berlineses.

En 2007, durante el año del 125.º aniversario de la orquesta, la Berliner Philharmoniker y Sir Simon Rattle fueron nombrados Embajadores Internacionales de Buena Voluntad de UNICEF, reconociendo la importancia de este compromiso cultural y social.

El Programa Educativo fue uno de los cambios más profundos en la historia moderna de la orquesta: la Philharmoniker ya no consideraba su papel público como la mera interpretación al más alto nivel. También aceptaba la responsabilidad de llevar la música a vidas que antes no había alcanzado.

La Fundación Filarmónica de Berlín: una nueva identidad institucional

El año 2002 marcó no solo el inicio de la titularidad de Rattle, sino también una importante transformación institucional. Hasta entonces, la Orquesta Filarmónica de Berlín había formado parte de la administración del Senado de Berlín, mientras que una organización separada gestionaba los derechos de medios.

En el año en que Rattle asumió el cargo, estas estructuras se unieron dentro de la Fundación Filarmónica de Berlín.

El cambio representó una identidad pública modernizada para la orquesta. El conjunto no era solo el heredero de una gloriosa tradición concertística; era una institución capaz de organizar el trabajo artístico, la actividad mediática, los proyectos educativos y la responsabilidad pública dentro de un marco coherente.

La transformación también correspondía a la concepción de Rattle sobre la Philharmoniker. Su mandato nunca fue solo sobre sus propios conciertos. Trataba sobre la orquesta como un organismo vivo con un papel en la ciudad, en el mundo musical internacional, en la educación y en el futuro tecnológico de la música clásica.

La relación entre renovación artística y renovación institucional es importante. Un director puede influir en el tempo, el fraseo y el repertorio; pero una era artística adquiere relevancia histórica cuando cambia la forma en que una orquesta entiende todo su propósito. Bajo Rattle, la Berliner Philharmoniker se definió cada vez más no solo como un conjunto interpretativo supremo, sino como una fundación cultural que actúa en múltiples espacios públicos.

La Sala de Conciertos Digital: Berlín para el mundo

Si Karajan había comprendido el poder del estudio de grabación, la televisión y la interpretación de conciertos filmada, la era de Rattle se enfrentó a la siguiente revolución: internet.

En 2009, la Berliner Philharmoniker lanzó su Sala de Conciertos Digital, una plataforma innovadora que permitía a oyentes de todo el mundo experimentar los conciertos de la orquesta en línea con sonido e imagen de alta calidad. Como el Programa Educativo, el proyecto fue posible gracias al apoyo de Deutsche Bank.

La importancia de esta innovación va mucho más allá de la comodidad. Durante la mayor parte de su historia, el acceso a la Berliner Philharmoniker dependía de la presencia física en Berlín, de la oportunidad de escucharla durante una gira o de grabaciones comerciales que recogían una selección limitada de repertorio. La Sala de Conciertos Digital transformó esa relación. Los conciertos podían ahora transmitirse desde la Philharmonie a oyentes de países lejanos; un archivo podía conservar no solo proyectos de estudio cuidadosamente seleccionados, sino también la evolución viva de las temporadas, los artistas invitados, los estrenos y los cambios en el estilo orquestal.

Esta transformación digital no disminuyó el valor único de estar presente en la Philharmonie. Más bien amplió la comunidad pública que rodea a la orquesta. Un oyente en Tokio, Barcelona, Buenos Aires o Nueva York podía seguir la vida musical de Berlín con una inmediatez sin precedentes.

Hay aquí una línea histórica clara. Karajan había hecho de la orquesta una presencia mundial mediante grabaciones y cine; Rattle ayudó a hacerla una presencia mundial en tiempo real mediante la transmisión digital. Ambos comprendieron que las instituciones musicales no pueden ignorar las tecnologías a través de las cuales el público futuro encuentra el arte.

La Sala de Conciertos Digital fue uno de los legados definitorios de la era Rattle: la Philharmonie ya no era solo una sala de Berlín, sino un espacio de conciertos capaz de abrir sus puertas al mundo.

Giras, Baden-Baden y nuevos horizontes

Las giras internacionales formaban parte de la identidad de la Philharmoniker desde el siglo XIX. Bajo Rattle, la orquesta siguió viajando ampliamente, pero también amplió sus horizontes geográficos e institucionales.

En 2010, la Berliner Philharmoniker viajó a Abu Dabi por primera vez. Estos viajes reflejaban el paisaje cultural global del nuevo siglo: las grandes orquestas ya no se dirigían solo a las capitales musicales tradicionales de Europa, Norteamérica y Japón, sino también al público de nuevos centros internacionales de vida concertística.

Otro gran cambio se produjo en 2013, cuando el Festival de Pascua de la orquesta se trasladó de Salzburgo a Baden-Baden. Salzburgo había estado íntimamente ligado a Karajan, que fundó allí el Festival de Pascua en 1967 y estableció la identidad de la Philharmoniker como orquesta de ópera en ese entorno festivalero. El traslado a Baden-Baden señalaba, por tanto, una auténtica transición institucional.

En Baden-Baden, la orquesta mantuvo su compromiso con la ópera escenificada de gran formato. Entre los proyectos culminantes de los años de Rattle figuró Parsifal de Richard Wagner en el Festival de Pascua de 2018. La obra, con sus temas de sufrimiento, compasión, comunidad y redención, fue un hito operístico final apropiado para un director cuyo logro berlinés más preciado había sido la Pasión según San Mateo de Bach con Peter Sellars.

Rattle y el rostro humano de una gran orquesta

Como Abbado, Rattle aportó una personalidad accesible y comunicativa a una institución históricamente asociada con un enorme prestigio. Sin embargo, los dos directores no eran iguales.

La autoridad de Abbado era silenciosa, elegante e interiormente poética. Su musicalidad a menudo parecía invitar a la orquesta a un proceso compartido de escucha en el que la música se volvía transparente, vulnerable y casi sin peso. Rattle era más verbalmente enérgico, más demostrativo, más abiertamente comprometido en explicar al público sus proyectos musicales e institucionales. Su personalidad estaba animada por la curiosidad y el entusiasmo; su creencia en la cultura como fuerza pública se expresaba no solo en las interpretaciones, sino en los programas, la educación, las entrevistas y la defensa.

Además, dirigía una orquesta que seguía cambiando generacionalmente. La renovación ya en marcha durante el periodo de Abbado continuó durante los años de Rattle. Nuevos músicos más jóvenes se incorporaron al conjunto, aportando experiencias nuevas y respuestas distintas al repertorio y a la práctica interpretativa.

Esta transición no siempre fue sencilla. Cualquier director titular de la Berliner Philharmoniker se enfrenta a una de las comunidades de músicos más conscientes de sí mismas e independientes del mundo. Las decisiones de programación de Rattle, su búsqueda de transparencia y su deseo de llevar al conjunto hacia estilos diferentes produjeron inevitablemente debates y alguna resistencia ocasional. Sin embargo, la escala de los proyectos realizados durante su mandato indica una colaboración capaz de una confianza y una ambición notables.

Su era amplió la propia definición de excelencia filarmónica. La excelencia ya no podía significar solo una magnífica interpretación de Brahms o Bruckner. Podía significar a un joven bailando a Stravinsky por primera vez; una nueva partitura de Adès entrando en el repertorio; Bach transformado en una experiencia ritual inolvidable; o un oyente en otro continente entrando en la Philharmonie a través de una pantalla.

El logro de Rattle fue hacer más grande la idea de una gran orquesta: no menos exigente en sus estándares artísticos, sino mucho más abierta en cuanto a quién podía participar en su mundo musical.

2013: la decisión de marcharse

En enero de 2013, Simon Rattle anunció que no prolongaría su contrato más allá de su conclusión en 2018. El anuncio dio tanto al director como a la orquesta un largo periodo para completar importantes proyectos y preparar la siguiente transición en la historia de la Philharmoniker.

Los años siguientes no se parecieron a un capítulo final agotado. Rattle continuó persiguiendo importantes ambiciones artísticas. Con Peter Sellars realizó presentaciones semiescenificadas de Pelléas et Mélisande de Debussy y Le Grand Macabre de Ligeti. Desarrolló la serie Tapas para encargos breves contemporáneos. Siguió con grandes proyectos sinfónicos y operísticos y, en Baden-Baden, dirigió la nueva producción de Parsifal de Wagner en 2018.

Esta fase final demostró un aspecto importante de la personalidad de Rattle: su negativa a permitir que una institución se refugiara en la repetición una vez anunciada una despedida. Los últimos años siguieron siendo un tiempo de invención, experimento y riesgo artístico.

La Sexta de Mahler: el círculo se completa

Para su último concierto en la Philharmonie como director titular, Simon Rattle regresó a la obra con la que había comenzado toda su historia artística con la Berliner Philharmoniker: la Sinfonía n.º 6 de Gustav Mahler.

El gesto era profundamente significativo. En 1987, el joven director británico se había presentado por primera vez ante la Philharmoniker y había sentido, en sus propias palabras, que encontraba su voz. En 2018, tras dieciséis años como director titular y más de tres décadas de vínculo con la orquesta, regresó a la misma sinfonía como artista maduro que contempla una época completada.

La Sexta de Mahler no es una obra convencional de despedida celebratoria. Su trayectoria emocional es severa; su final es catastrófico más que triunfal. Sin embargo, quizá por eso resultó especialmente veraz. Una relación artística importante no se resume en aplausos fáciles u orgullo retrospectivo cómodo. Contiene lucha, tensión, ambición, decepción, logro, afecto y el conocimiento de que todas las épocas deben terminar.

Al elegir la Sexta, Rattle no ofreció un monumento de autocomplacencia. Regresó a la música a través de la cual había descubierto por primera vez su voz berlinesa. La sinfonía se convirtió en un marco para su vida con la orquesta: desde la promesa de la juventud hasta la gravedad de la despedida.

La última Sexta de Mahler de Rattle fue algo más que una elección de programa. Fue un regreso al momento en que se reconoció por primera vez ante la Berliner Philharmoniker, y un reconocimiento final de cuánto había moldeado la orquesta su vida musical.

El significado histórico de la era Rattle

Los años berlineses de Sir Simon Rattle no pueden juzgarse solo mediante la medida tradicional de director y orquesta: la grandeza de determinadas interpretaciones. Esas interpretaciones importaron mucho: sus ciclos de Mahler, Brahms y Sibelius; su Bach con Sellars; su compromiso con la ópera y la música nueva. Pero su contribución fue también institucional y social.

Ayudó a abrir más la orquesta a la pluralidad de la cultura musical europea. Amplió el movimiento hacia un sonido más transparente y flexible. Dio a los compositores vivos una posición importante dentro de una de las orquestas más prestigiosas del mundo. Fomentó encuentros con la práctica interpretativa históricamente informada y amplió el vocabulario expresivo del conjunto.

De forma más visible más allá del escenario, fundó un Programa Educativo que puso a la Philharmoniker en una relación creativa directa con niños y jóvenes que quizá nunca habrían considerado la música clásica parte de sus vidas. Presidió el surgimiento de la Fundación Filarmónica de Berlín. Llevó a la orquesta a la era digital a través de la Sala de Conciertos Digital, haciendo accesible en todo el mundo la vida concertística viva de Berlín.

Las eras de Karajan, Abbado y Rattle pueden entenderse no como modelos mutuamente excluyentes, sino como transformaciones sucesivas de la misma gran institución.

Karajan convirtió a la orquesta en un símbolo mundial de esplendor sonoro, perfección y poder mediático.

Abbado la hizo más transparente, cuestionadora, humana e intelectualmente abierta en la Berlín reunificada.

Rattle llevó esa apertura a la educación pública, la creación contemporánea, el acceso digital y una idea claramente del siglo XXI sobre la responsabilidad de la orquesta.

Bajo su dirección, la Berliner Philharmoniker no dejó de ser un conjunto de élite en sentido artístico: su nivel siguió siendo de los más altos imaginables. Pero desafió la idea de que la excelencia artística debe pertenecer a un mundo social cerrado.

El gran legado de Sir Simon Rattle en Berlín fue su convicción de que una orquesta puede ser a la vez suprema en su excelencia y radicalmente abierta: abierta a la música nueva, abierta a nuevas formas de escuchar el pasado, abierta a niños y jóvenes, y abierta a un público mundial a través de la nueva tecnología.

En la historia de la Berliner Philharmoniker, esta fue la era en que la gran orquesta de Berlín decidió que su futuro no quedaría asegurado solo por el prestigio, sino por la curiosidad, la renovación, la inclusión y el valor de compartir su música más allá de los muros de la Philharmonie.

Cronología esencial

19 de enero de 1955 — Simon Rattle nace en Liverpool.

14 de noviembre de 1987 — Debuta con la Berliner Philharmoniker dirigiendo la Sexta Sinfonía de Mahler, obra que quedaría simbólicamente vinculada a toda su carrera berlinesa.

1998 — Claudio Abbado anuncia que dejará la titularidad en 2002, obligando a la orquesta a buscar un líder para el nuevo siglo.

1987–2002 — Antes de asumir el cargo, Rattle dirige a la Berliner Philharmoniker en cincuenta y ocho ocasiones, estableciendo una relación artística duradera con los músicos.

7 de septiembre de 2002 — Rattle ofrece su concierto inaugural como director titular y artístico, interpretando Asyla de Thomas Adès y la Quinta Sinfonía de Mahler.

2002 — Se funda el Programa Educativo de la Berliner Philharmoniker, que abre nuevas vías creativas hacia la música clásica, especialmente para niños y jóvenes.

2002 — La orquesta y su organización de derechos de medios se consolidan en la Fundación Filarmónica de Berlín, creando una nueva estructura institucional para el siglo XXI.

2003 — El proyecto de danza del Programa Educativo basado en La consagración de la primavera de Stravinsky, desarrollado con el coreógrafo Royston Maldoom y jóvenes berlineses, se convierte en un gran acontecimiento público; su historia se conserva después en el premiado documental Rhythm Is It!

2007 — Durante el año del 125.º aniversario de la orquesta, la Berliner Philharmoniker y Sir Simon Rattle son nombrados Embajadores Internacionales de Buena Voluntad de UNICEF.

2007 — Rattle dirige el estreno de Tevót de Thomas Adès, encargada por la Fundación de la Berliner Philharmoniker.

2009 — Comienza a funcionar la Sala de Conciertos Digital, que permite seguir en línea las interpretaciones de la orquesta a audiencias de todo el mundo.

2010 — La Berliner Philharmoniker realiza su primera visita a Abu Dabi bajo la dirección de Rattle.

2010 — Rattle y Peter Sellars presentan la Pasión según San Mateo de Bach en una forma ritualizada profundamente conmovedora, descrita más tarde por el director como lo más importante que habían hecho juntos en Berlín.

Enero de 2013 — Rattle anuncia que no renovará su contrato berlinés más allá de 2018.

2013 — El Festival de Pascua de la orquesta se traslada de Salzburgo a Baden-Baden.

2018 — Rattle completa importantes proyectos finales, entre ellos Parsifal de Wagner en el Festival de Pascua de Baden-Baden.

Junio de 2018 — En su último concierto en la Philharmonie como director titular, Rattle vuelve a la Sexta Sinfonía de Mahler, cerrando su etapa berlinesa con la obra de su debut de 1987.

Figuras clave de este capítulo

Sir Simon Rattle — Director británico, director titular y artístico de la Berliner Philharmoniker de 2002 a 2018; defensor de un sonido orquestal transparente, la creación contemporánea, la educación y el acceso digital.

Claudio Abbado (1933–2014) — Predecesor de Rattle, cuya búsqueda de apertura, profundidad mahleriana y una cultura orquestal más colaborativa preparó aspectos importantes del entorno artístico que Rattle heredó.

Thomas Adès — Compositor británico cuya Asyla formó la mitad del programa inaugural de Rattle en Berlín en 2002 y cuyo Tevót fue estrenado bajo su dirección en 2007, símbolo de su compromiso con la composición viva.

Gustav Mahler (1860–1911) — Compositor cuya Sexta Sinfonía enmarcó la relación de Rattle con la orquesta, desde su debut en 1987 hasta su último concierto como director titular en 2018.

Peter Sellars — Director de teatro estadounidense cuya colaboración con Rattle en la Pasión según San Mateo de Bach, Pelléas et Mélisande de Debussy y Le Grand Macabre de Ligeti amplió las posibilidades dramáticas y espirituales de la orquesta.

Royston Maldoom — Coreógrafo del célebre proyecto educativo de danza de 2003 centrado en La consagración de la primavera de Stravinsky, documentado en Rhythm Is It!